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El arte es una cuestión filosófica, muy pocos seres humanos se plantean la pregunta, ya que vivimos en un mundo funcional; todo existe y no nos vemos obligados a discernir sobre ello.

No nos vemos obligados a preguntar por los objetos que nos rodean, sabemos emplearlos, sabemos para qué sirven e incluso podemos cambiar la bombilla de la lámpara o sacarle punta al lápiz para mantener todo en perfecto estado; es decir: todo está determinado por un “uso”; nuestro mundo es dinámico y funcional.
Sin embargo el ser humano es inoperante para mantener el orden en la calle- a no ser que uno sea policía- o para interpretar una ley- a no ser que uno sea abogado o juez-.
La competencia en un campo implica que uno no pueda entender lo que es una cuestión, cuando esta cuestión es concerniente a otra persona.
El ser humano entendido como artista elige entre pintar, hacer escultura, performance o videoarte para liberarse del campo filosófico implícito al que no puede acceder, así se libera de preguntarse qué es arte, por entender que el arte está delimitado por el uso y si el cuadro, la instalación o lo que sea se halla en un museo o en una galería de arte, no es necesario su cuestionamiento pués el carácter funcional del arte parece suficiente respuesta.
Además los tubos de pintura al óleo en su etiqueta indican ” material para artistas”, y lo mismo encontramos en los pinceles; así podemos encontrar siempre lo mismo: La uniformidad impuesta y no un trabajo de resistencia para elaborar preguntas, hace que el Arte sea una forma que nadie conoce y que está aún por descubrir.

El origen se algo significa la presunción de que desde el lugar donde estoy, ese algo ha llegado a estar presente en lo que fué o tal como es, o bien el origen que le dió sustancia fue otro, por lo que no puede ser hoy tal como es.
Asi lo que llamamos esencia no sería la misma sustancia que le dió origen, pues surgiría a partir de otro medio.
Como el arte es una concepción humana, el origen del arte es la capacidad humana en la necesidad de expresarse y fuera de ésa necesidad el arte no existiría.
El arte en realidad no existe, como tampoco existen los artistas, sino que son definiciones humanas en busca de la actividad residual del ser humano: “Sus Obras”.; A partir de las obras se define el concepto de arte y a partir del arte se define al que lo hizo como Artista.
Cabe suponer que el homo sapiens no hacía arte, pues el concepto de arte es posterior a su actividad, y que por el contrario, éste hacía obras,de lo que se puede deducir que de la pregunta del ser humano por lo que hace surja la voluntariedad de definirlo como algo que transforme su esencia.
Que transforme?? Cómo que transforme ?? No es él un ser humano?? Su actividad será humana y punto.
Y sin embargo la pregunta del ser humano por la obra no queda circunscrita a su humanidad, pués el ser humano a si mismo también se define como “obra”.Él mismo no sabe de lo que está formado, no sabe quién es ni conoce el origen de su sustancia.
Así la pregunta del ser por su obra y su origen queda diferida en la pregunta del ser en si mismo. en su condición de criatura creada y en su relación a algo desconocido y sin origen.

Si el arte es una entidad que se mantiene inalterable generación tras generación, cuyos principios además son restrictivos de otros objetos u acciones, el fenómeno artístico tiene como labor preeminente preservar esa denominación que en una primera instancia aparenta ir encaminada hacia una forma de comprensión u comunicación intersubjetiva pero que se vuelve misteriosa y resulta ininteligible en su misma acción de comunicar.

Así pués el arte no existe como entidad comunicable; sus valores constitutivos se hallan desvirtuados al formar parte de un “uso”, el cual todos conocemos: Un grupo de personas encubren la necesidad de dar validez al arte mediante un ámbito de actuación para hacer reconocible y fácticamente delimitado la acción intersubjetiva del arte y que hoy se halla exenta de validez.
El arte en cuanto a uso se halla socialmente aceptado, y sin embargo la interacción del arte en la sociedad se ha abstraído a su valor económico, y por tanto no es inmanente ni aceptado de un individuo a otro. Sólo intersubjetivamente la interacción entre la sociedad y el arte ha creado un consenso destinado a preservar su valor material.
El arte no debe considerarse una labor de estudio; El arte no debe considerarse arte.
Lo que no es definido, tampoco puede ser observable. Si el arte no es arte, el artista no debe considerarse artista, tampoco existirá causa, efecto o sentido.Así destruyendo el arte, tampoco lo estamos destruyendo.
Quizás habría que pensar que las cosas no son lo que parecen; Que por el simple hecho de que algo – lo que sea- sea aceptado socialmente, los supuestos con los que está constituido no tienen porqué ser verdaderos.

La nación y los vínculos que un país adquiere con su cultura, hacen que ésta sea reiterada, publicitada y repetida hasta la saciedad, incluso cuando los gobernantes advierten que los principios constitutivos de la obra son falsos; que el artista al que se le atribuía la autoría de la obra no es su verdadero autor, que los hechos que narra no se corresponden con los hechos históricos que le han hecho trascender de generación en generación hasta otorgarle el status con el que hoy lo reconocemos.

Cuando hablamos de Asensio Julià, nadie puede reconocer en él a un artista; Pero cuando hablamos de Goya , cualquiera puede citar 4 o 5 obras y afirmar que sabe reconocer su estilo, la época y que conoce la vida del autor.

Si la obra de arte adquiere un distintivo particular, una entidad y una presencia pre-eminente por encima de otras obras; el hecho de que esa misma obra sea atribuida a un autor o a otro, puede alterar en alguna medida su significado al ser adscrito a un determinado estilo u a otro, a una forma de pensar u a otra… pero lo que de ninguna forma es admisible es que siendo el COLOSO lo que es y representando lo que representa, a partir del momento en que se descubre que la obra no pertenece a Goya sino a otro autor, se la publicite negativamente como una ” obra menor” donde no está presente la mano del Genial Artista, y “tosco en su ejecución”…. en lugar de utilizar este descubrimiento para investigar quién fue ese otro artista y porqué no conocemos más obras suyas ????.
Si esa obra era relevante siendo de Goya, también debería serlo en el caso de que no lo fuera. Si el trazo y la mano del Maestro era perceptible a simple vista para miles de visitantes y críticos de arte…. ahora sabiendo que la obra no pertenece a su mano también debería serlo.

Parece algo obvio pensar que en una sociedad, para que dos individuos mantengan una comunicación en igualdad de condiciones, ambos individuos deben ser iguales en su capacidad para transmitir y recibir información, y además no verse implicados en ninguna forma de agresión ni de acción coercitiva o coaccionadora para responder de forma ajena a su voluntad indivuidual; esto es, deben ser libres. Así el arte, carece de ésta igualdad, pues registra diversos dominios en los que el individuo no puede interferir; La forma en que se manifiesta ( el arte) estará determinada por la forma, la riqueza, el grado de conciencia cultural e ideología política.-

Dentro del Estado, las ideas a favor o en contra de la proclamación de una ley nueva reflejan acciones contestatarias de “no aprobación” que van encaminadas a la emancipación del individuo en la sociedad. Lo que percibimos en una manifestación es la acción conjunta de una parte amplia de la sociedad. No nos es posible percibir en una multitud la religión, el sexo o la clase social o a que equipo pertenecen sus componentes; pues dentro de una manifestación todos sus individuos son “momentáneamente”
iguales, pués actúan en una acción compartida para generar un fin.

Sin embargo entre el artista y la obra de arte, la conciencia sobre la acción instrumental que el artista ejerce sobre su obra acabará generando un desequilibrio mayor, pues el individuo artista y el individuo no-artista, no pueden establecer una comunicación en igualdad de condiciones. Esa desigualdad restringirá la cercanía del arte para establecerse en una dimensión de superioridad.
La relación entre individuo y el Arte implicará a su vez el acatamiento del individuo a los fines de privilegio demandados como vehículo instrumental para lograr la separación definitiva entre la racionalidad del que desea saber y la constitución dogmática de la obra de Arte.

El mundo no tiene fronteras, y nadie posee una ubicacion “natural” en el mundo; parece que, si uno pertenece a un lugar, a un idioma, o se identifica con la forma de pensar de un pais, adquiriera automaticamente mas derechos que el resto de sus congeneres; esta forma de apercibirse del mundo, supone la interpretacion de nuestra vida como un fin en la que nosotros somos los destinados a hacer legitimo y nuestro algo que no lo es.

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Desde el primer individuo que coloco un cartel en una colina para decir que aquella colina era suya, y exigir que nadie accediera ni transitara por su propiedad, tuvo parte de razon al identificar su vida con un terreno en el que residia y para el que demandaba privacidad, pero en otro contexto, el ser humano hace de sus derechos una forma de discriminacion, como, por ejemplo el hombre que solicito la propiedad de unos terrenos que no conocia ni habia visto en su vida con el fin de acrecentar sus propiedades y su fortuna como un modo de enriquecerse. Nuestra sociedad nunca conto con los gitanos, que eran nomadas, y a los que no les interesaba la adquisicion de terrenos, no quedaron marginados de nuestra sociedad debido a su falta de adaptacion, sino por que nuestras leyes no eran aplicables. La sociedad sabe que la discriminacion se quantifica en terminos de productividad, de la “carga” que el ser humano, fisicamente excluido, e improductivo supone para el sistema. La migracion reproduce el movimiento natural del hombre en su transitar por el mundo. Los emigrantes rara vez nos transmiten sus costumbres y formas de pensar, los inmigrantes siempre son “los otros”, y generan algun tipo de inconveniente, por que nuestra forma de “obrar” y de “entender” es otra. Un artista sin patria no sera nunca un artista mundialmente reconocido. El estado demanda la nacionalizacion del arte que se hace en un pais. El artista debe estar plagado de topicos para que sea amoldable al discurso de la nacion. Todo lo que sea folcklore, se convierte en una instrumentalizacion del estado para exportar el concepto de sentir de un pais. Asi, el folcklore no cambia nunca, por que tampoco debe cambiar la constitucion del Arte como obra, lo unico que importa es determinar que quizas no vivamos en el pais de los Toros y que Tio Pepe no sea el espirituoso mas vendido.

La descategorización de las subdivisiones clásicas del arte (pintura,escultura,instalación…) en virtud de nuevas formas de arte desligadas a la historia natural del arte, ha traído consigo la proliferación de nuevas formas de entender el arte como un espacio cuyo único nexo con la cultura y con su historia sea la de definirse como manifestación artística como una forma inferior ó menor, una actitud tangencial ó marginal a la manera formal de obrar, y és que, incluso en el 2009, las formas artísticas no són tan distintas de las que vivimos en el siglo XX, pues la sociedad no entiende otra cosa que no sea el materialismo cultural de la sociedad de masas y lo que el arte puede ofrecer para aplacar las necesidades de una sociedad snob, consumista, y fácilmente manipulable. Sea cual sea el movimiento que domine, y sea cual sea el artista que se nos ofrezca como “el más representativo”; lo cierto és que para que la sociedad sea representada, debe también ser consumidora del artista-producto. De ahí que el estado sea algo más que una institución dedicada a la conservación y promoción de artistas.El Estado se dedica activamente a la creación de una conciencia nacional de una forma de arte,para exportar una imagen del país, en la que se establecen roles y formas estereotipadas de sentir con el fin de ofrecernos una visión simplificada y corrupta de lo que somos.El arte sucumbe a un encriptamiento dogmático, és una herencia de la forma instrumentalizada de entender la cultura;la promoción de unos artístas en detrimento de otros y la concreción de la manera de entender el arte de un país a través del alienamiento.En el pasado,la compra de cuadros, la búsqueda de artistas con los que terminar un palacio, ó decorar una capilla se regía por los mismos criterios subjetivos que hoy en día, todavía rigen; pero el coleccionismo monárquico, hoy recae en manos del mercado, las empresas, los holdings y unas pocas fortunas. La sociedad no se siente representada,y nadie se siente identificado por una forma de arte que no és más que material de consumo para satisfacer una demanda.